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ARTE FLORAL

Por Emilia Nardi*

Estilos

Estilo es el modo, la manera, las costumbres y la estética desarrollada dentro de un período determinado de años. Los elementos y la decoración expresan un sentimiento de la arquitectura, el uso de determinados materiales y la manera de vivir de una época; en cada una de estas, se aprecia la influencia de las condiciones sociales, tanto en la línea, en los colores y en los elementos, como también, en el arreglo y la disposición de los restantes factores de la decoración. 

Los gustos, las costumbres y el nivel de bienestar y prosperidad fueron marcando, en la vida, una cualidad personal, visual y emotiva bien diferenciable.

El estilo de una época está determinado generalmente por la fusión del esfuerzo creador de los artistas, por la suma de las diferentes creaciones en las que se contienen los rasgos comunes que lo caracterizan y le dan forma.

El artista floral debe conocer las características de cada uno de ellos para trabajar en armonía con la arquitectura del lugar. A continuación una breve reseña.

Período Románico. Del siglo IX al XI. Surge en los claustros; las habitaciones eran de piedra caliza con cantos perfilados. Pequeñas aberturas con arco de medio punto. Recogimiento. Fe. Austeridad. Ermitas muy bien situadas: en pequeños montes de caminos rocosos. 

Los diseños florales que armonizan con estos espacios mantienen la forma redonda de los arcos de medio punto, realizados con flores espontáneas mezcladas con frutas, en recipientes de barro o cerámica basta.

Período Gótico. Se destaca por la búsqueda de luz. Del siglo XII al XIV. Suben las naves consiguiendo más altura; se destaca el arco ojival; los vitrales se extienden y muestran color. La salida del sol va directamente al Sagrario. Enorme rosetón en la fachada. Elegancia. Altivez.

La ornamentación floral también se estiliza; los diseños se realizan con las mismas flores que en el período anterior, en recipientes metálicos.

En el Renacimiento (siglo XV al XVI), se regresa a la austeridad; las iglesias se construyen más bajas, decae el poder político. Se trabaja en tres dimensiones y en simetría.  El color que corresponde a este período es el rojo rubí.

Se utilizan flores grandes y pomposas en los diseños, guirnaldas y adornos con frutas y hojas.  Los recipientes utilizados son metálicos, sin brillo y poco trabajados. En esta época, se fabrican los primeros recipientes de cristal.

El estilo Barroco (siglos XVI al XVII) es  recargado, con un marcado resurgimiento de la belleza. Hoy llamado “Maximalismo”, tiene una exuberante expresión ornamental en las volutas de líneas curvas. El otoño es expresión del Barroco. 

Los diseños florales son realizados con gran cantidad de elementos: flores, frutas, semillas, etc.

Hacia finales del período, en Francia aparece el Rococó, bajo la influencia refinada de María Antonieta.  Todo es profusión de decoraciones: paredes, pisos y techos decorados con ángeles, flores, guirnaldas, palmas, paños, tapices. Surgen los colores pastel.

La decoración floral se realiza en recipientes lujosos, trabajados en relieve. Se utiliza gran cantidad de flores pequeñas, con elementos decorativos y flores artesanales de encaje.

En América nace la Arquitectura Colonial, después del Descubrimiento, y perdura hasta su emancipación. El arte latinoamericano de esa época es principalmente religioso.  La civilización colonial se edifica sobre las ruinas de los pueblos indígenas y, en cada país de América, adopta características propias, relacionadas con los materiales del lugar.

Las decoraciones con flores son coloridas; se utilizan las variedades locales y   recipientes de barro artesanales.

En el período Clásico (siglo XIX) resurge la belleza concebida como orden, medida y equilibrio. De líneas sensuales, formas limpias, da sensación de frescor. Llega hasta el Art Noveau, con sobrecarga de líneas curvas y elementos decorativos.

Se desarrollan normas dentro del arte floral. Los materiales se tratan con máxima libertad de formas inspiradas en la naturaleza, pero estilizadas y deformadas sin límites por la imaginación del diseñador.

Vanguardia: se inicia el uso de formas geométricas puras y líneas racionales que persiguen la funcionalidad como objetivo principal. La función determinará la forma; se expresa desde la Bauhaus, y en la segunda década del siglo XX sorprende a Europa.  Los cambios sociales de la época fueron el motor para que Walter Gropius, fundador de esta nueva estética, resolviera los ambientes según las necesidades de sus habitantes.

Los diseños actuales responden al Minimalismo, en cuanto a repetición de formas, utilización de pocos elementos y ausencia de color.

Se buscan nuevas opciones, y se aplica un valor agregado a los diseños con la inclusión de técnicas de las artes plásticas.

Valor agregado

La técnica es un conjunto de saberes y procedimientos que se utiliza para obtener un resultado deseado. Aunque no es privativa del hombre, sus técnicas suelen ser más complejas que las de los animales, que solo están relacionadas con la supervivencia.

Muchas de ellas son espontáneas e innatas; requieren cierta destreza manual y/o intelectual, suelen transmitirse de persona a persona, y cada uno las adapta a sus necesidades.

La técnica supone un razonamiento y, en situaciones de una misma conducta o procedimiento, produce el mismo efecto.  Nace de la imaginación, y luego se pone en práctica; muchas veces, se origina en la prueba y el error.  Se transmite entre personas y mejora con el tiempo y la práctica. Cada individuo le pone su sello personal.

En arte floral, la técnica es valorada por clientes exigentes, y junto con la cultura, las emociones, los conocimientos botánicos y la teoría conforman las herramientas de inicio en el proceso de diseño.

¿Para qué sirve la capacitación? Entre otras cosas, para aprehender nuevas técnicas, nuevos conocimientos en el hacer; para evaluar la propia capacidad y conocer  sus límites; y sobre todo, para enriquecimiento personal.

Todas las técnicas son útiles si cumplen con la premisa establecida. Una correcta técnica de hidratación poscosecha, sumada  a una buena manipulación del material, que ha sido perfectamente estibado y transportado, colocado en la cámara fría respetando los tiempos límite de cada variedad, llegará al profesional florista en condiciones óptimas para ser elaborado y transformado en un diseño floral. 

El oficio del florista tiene mucho del artesanal; las técnicas de elaboración se transmiten de generación en generación. Son lo más valioso del oficio. 

La competencia actual que afecta al rubro deriva de la incorporación en el mercado de diseñadores, arquitectos, organizadores de eventos, artistas plásticos, etc., que utilizan las técnicas y capacidades adquiridas en sus propias profesiones. Esto no solo es una competencia: deberá ser visto como un gran desafío a superar. 

El ojo es el órgano explorador; el cerebro elabora; el corazón aporta el sentimiento a transmitir, y las manos se convierten en el instrumento que, por medio de técnicas adecuadas, realiza la obra. Las motivaciones para incorporar técnicas complementarias e innovadoras al diseño floral son varias:

• Personalizar, obtener un objeto único.

• Recuperar un elemento en desuso, que perdió su valor.

• Adaptarlo a un ambiente o a una situación.

• Dar una respuesta expresiva a una superficie.

• Disfrutar el momento de crear.

• Vencer  la competencia.

Pintura, parafina, yeso, arcilla, estuco, enduido, cortezas, troncos, hojas, semillas, papel, guata, metal, cola vinílica… infinidad de opciones. Atado, pegado, cortado, rasgado, enrollado, apilado, superpuesto, doblado… miles de posibilidades, y cada una de ellas estará aportando textura, color; maravillosas vibraciones de los materiales.

La constante innovación tecnológica y técnica aplicada a la materia prima (por ejemplo, al alambre decorativo de aluminio) y la carga simbólica y de identidad aplicada al diseño (el mismo producto utilizado como estructura de soporte en un ramo de novia de nuevas tendencias) provoca que el producto final sea más competitivo, se adapte a la moda, conjugue con la tendencia actual, sea mucho más liviano y fácil de portar.

La elección de materiales con rasgos propios, distinguibles, es valorada y consensuada por el mercado; este fenómeno es un proceso que, sumado a la correcta utilización de técnicas, sorprenden al cliente y convierten al florista en un profesional destacado.

La profesión es el conocimiento del producto y de la técnica.

Fotos: Emilia Nardi

Bibliografía: El Arte del Color, J. Itten. La Interacción del Color,  J. Albers. Teoría del Campo,   A. Marcolli. Psicología del Color, E. Heller. Sintaxis de la Imagen, D. Dondis. Fundamentos de Diseño, W. Wong. Gramática del Arte,  J. Beljon. La Composición Áurea en las Artes Plásticas,  P. Tosto. Fundamentos del Diseño,   R. Scott. Arte y Percepción Visual,  R. Arnheim. Análisis de la Forma y Sistemas de Representación,  F. Puerta.

Consultas: Diseño e Innovación. Locales Vendedores, A. Lebendiker-A. Cervini.
Marca e identidad, A. Lebendiker-A. Cervini. Creatividad para Ganar Más,  A. Lebendiker-A. Cervini. Capital Humano,  Materiabiz (varios autores). Creatividad e Innovación,  Materiabiz (varios autores). Marketing Total,  Materiabiz (varios autores).

Notas anteriores:
Introducción al diseño
La vitrina como punto inicial de venta
De profesión, ¡florista!
El color y la emoción
Análisis del pensamiento del artista floral
Composición creativa
Dónde nacen las tendencias
Nexo entre capacitación y ventas
El arte dentro del diseño floral
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